Par Damien Guggenheim.
« Les objets de la vie quotidienne sont des objets sur lesquels on bute dans le réel. Et je crois que je m’intéresse davantage au regard qu’une femme porte sur le réel, plutôt qu’à cette question du pouvoir. Parce que la vie quotidienne, c’est quelque chose en fait dont on ne parle pas. Il y a là une sorte d’intolérable, l’intolérable de la répétition. En effet, on passe son temps à ne pas voir qu’un jour rentre dans un autre jour, parce que nous croyons que ces jours s’enchaînent et vont quelque part. » Anne Sauser-Hall

Par Cécile Tourneur.
Superstar warholienne, égérie de la Factory, Candy Darling, née James Lawrence Slattery, fut l’une des figures marquantes de la scène artistique new yorkaise des années 1960 et du début des années 1970. Muse des artistes et des musiciens underground, elle inspire Lou Reed à deux reprises : la chanson Candy Says raconte les difficultés d’une jeune femme transgenre à accepter son corps et son identité de naissance et le célèbre titre Walk on the Wild Side la met en scène parmi d’autres personnages hauts en couleur.

L’Aéroport est une nouvelle inédite de Jean-Marc Ligny, qu’il a écrite en résonnance avec la programmation FUTURS D’AVANT, proposée par Livia Benedetti et Marcela Vieira pour l’espace virtuel du Jeu de Paume. Cet aéroport, du moins ce qu’il en reste, n’est plus qu’une coquille brûlante d’où le protagniste, ancien pilote, essaiera de s’échapper, vers l’inconnu. La technologie a cédé la place au bricolage et au tissage, comme si le futur se nourrissait du passé.

Un colloque en ligne proposé par Marta Ponsa et Peter Szendy, avec la participation d’Emmanuel Alloa, Ursula Biemann, Emanuele Coccia, Keller Easterling, Aude Launay, Margarida Mendes, Evan Roth et Clémence Seurat.

Peter Hujar a composé un portrait saisissant du milieu artistique et intellectuel newyorkais des années 1960 à 1980. Dès les années 1950, sa professeure d’anglais à la School of Industrial Arts, Daisy Aldan, également poète et traductrice de Baudelaire, l’initie à la littérature.

Quelques jours avant la fermeture de l’exposition « Sally Mann. Mille et un passages » au Jeu de Paume, l’écrivaine Nancy Huston proposait une conférence originale et intimiste, révélant une série d’entrelacs entre le parcours de l’artiste américaine et le sien, entre la littérature et la photographie…

John Sanborn est un membre clé de la deuxième vague de vidéastes nord-américains, aux côtés de Bill Viola, Gary Hill, Dara Birnbaum et Tony Oursler. Pour l’espace virtuel du Jeu de Paume, il a développé un nouveau projet constitué d’environ 1h30 d’images vidéo coupées et assemblées selon des mots clés, afin d’esquisser un autoportrait en négatif.

Dans les années 1960, les critiques affirmaient volontiers qu’une parfaite symétrie permettait à un peintre de « désigner le centre de la toile », et d’invoquer ainsi la structure interne de l’image-objet. Cette réflexion, parmi beaucoup d’autres, constituait l’édifice complexe par lequel la critique des années soixante voulait relier l’art à l’éthique grâce à « l’esthétique de la constatation ». Mais à quoi reviendrait le fait de désigner le centre d’un écran de télévision ?

Une conversation dans l’exposition « Sally Mann. Mille et un passages »,
animée par Étienne Hatt, avec Clara Chichin, Géraldine Chouard et Héloïse Conésa

Par Étienne Helmer.
Luigi Ghirri, L’Île-Rousse, 1976. Pourquoi cette photographie, qui ne présente rien de décisif ni de notable ? Un pan de ciel bleu, de clairs nuages aux formes transitoires, et des câbles électriques qui strient le ciel de leurs fines lignes parallèles : une image qui échappe au régime du choc visuel et de l’événement.

En visitant l’exposition consacrée à Dorothea Lange au Jeu de Paume, on est frappé par la représentation du paysan que nous livre la photographe dans le cadre de sa mission pour la Farm Security Administration (FSA). Cette figure du paysan, bien qu’anéanti, incarne toujours la dignité, l’honnêteté, la simplicité, la grandeur d’âme, et d’autres traits de caractère que les Nord-Américains lui ont traditionnellement prêtés.

Dans un entretien donné en 2015 à Pascale Cassagnau, Florence Lazar indiquait placer son attention cinématographique sur la façon que peuvent avoir les gens de confectionner, par des « gestes simples […] comme ranger, déplacer, replacer à nouveau des dossiers », le sens des situations.

« L’état d’exception, qui était essentiellement une suspension temporelle du système, devient maintenant un ordre spatial nouveau et stable, habité par cette vie nue qui, de plus en plus, ne parvient pas à s’inscrire dans le système. »

Extrait de Moyens sans fins. Notes sur la politique, 1995.

Le rapport original présenté ici est commandé par Harry Drobish, Directeur de la division de réinsertion rurale au sein de l’Administration des secours d’urgence de l’État de Californie (SERA), en vue d’obtenir un financement d’un montant de 100.000 dollars pour la construction de camps destinés aux travailleurs migrants en Californie.

Une chronique de Camille Moreau.
« Le land art est une expérience du corps, ce que les photos des œuvres tendent à nous faire oublier. Lire Land Art Travelling de Gilles A. Tiberghien, paru aux éditions Fage en début d’année, c’est justement s’en souvenir. »

Mon premier contact avec l’œuvre de Gordon Matta-Clark remonte à Conical Intersect. On est en 1975 – j’ai donc 14 ans – et c’est un bref article dans je ne sais plus quel canard, illustré d’une photo qui montre ce vaste trou circulaire dans la matière grise d’un vieil immeuble parisien […]

Une chronique d’Ève Lepaon.
Vandalism rassemble des photographies de John Divola, prises entre 1973 et 1975 à Los Angeles. Cette série présente des images de ses interventions éphémères réalisées dans des bâtiments abandonnés et en ruine, oscillant entre la peinture, la sculpture et la photographie.

Cette dernière séance du séminaire, proposé par le CCC OD et le Jeu de Paume, était consacrée à Alain Bublex, artiste né à Lyon en 1961, qui développe depuis le début des années 1990 de gigantesques fictions, profondément ancrées dans le réel.

En septembre 2017, la galerie new-yorkaise Jane Lombard inaugurait une exposition monographique de l’artiste Mounir Fatmi. Il choisit de ne pas se déplacer pour le montage et l’ouverture du projet. Cette absence donne lieu à une performance, qu’il intitule The Missing Show.

La performance de Violaine Lochu, Archivox, s’est déroulée au Jeu de Paume le 16 janvier 2018, dans l’exposition d’Ali Kazma “Souterrain”, avec la complicité de ce dernier.

La photographie est avant tout le problème technique de la mise en scène de nos pulsions optiques — mais la plupart des photographes, conforme a la plupart des gens, confondent les pulsions optiques avec un contenu « littéraire ». On croit généralement encore, que la photographie doit « raconter » une histoire quelconque, doit être une « illustration » de souvenirs, de sentiments – en somme, que le côté visuel de la photo n’est qu’une affaire de moindre intérêt, ou de second degré, qui doit être soumis à une fable, pour donner un sens, et pour permettre de pouvoir « penser là-dessus ». Rien n’est plus faux.

« Le travail filmique d’Ali Kazma est encyclopédique, au sens où il couvre, sur plusieurs continents, un vaste champ d’activités : industriel, médical, administratif, technologique, artistique, physique… C’est une cartographie en devenir de ce qui nous relie au monde et aux énergies qui le traversent, quel que soit le sentiment que nous éprouvons d’en être séparé. »

Il arrive qu’une critique se transforme en un verdict accablant et reste suspendue longtemps au-dessus de son objet comme une épée de Damoclès au point d’en déterminer par la suite la réception : tout avis ultérieur doit alors se déterminer par rapport à ce verdict. On trouve chez Walter Benjamin un des exemples les plus célèbres de ce phénomène à propos du photographe de la Nouvelle Objectivité Albert Renger-Patzsch dont l’œuvre est présentée ici dans une grande rétrospective.

Dans sa dernière œuvre vidéo intitulée Bye (1990), Ed van der Elsken nous offre effectivement une palette émotionnelle à la première personne qui s’exprime autant par les mots que par les images. En 1988, il apprend qu’il est atteint d’un cancer de la prostate, et qu’il est incurable. Pour affronter la maladie et la fin qui approche, il décide de tourner, avec l’aide de sa troisième femme, un film qui sera le journal intime de ses derniers mois.

Les jeunes Maria Klonaris et Katerina Thomadaki se rencontrent à Athènes dans un moment de turbulence sociale et politique. Une rencontre qui marque le début d’un échange artistique à vie.

Chers amis, ce n’est pas un simple livre, c’est un véritable poème qui se trouve sous vos yeux !

En écho à la rétrospective « Manifeste. Le Cinéma Corporel », le magazine réédite trois Manifestes de Maria Klonaris et Katerina Thomadaki.

« Dans sa vidéo Five Thousand Feet is the Best (2011), Omer Fast fait prononcer par le personnage du pilote de drone la phrase suivante : “La lumière au bout du tunnel, ce n’est qu’un autre tunnel.” C’est une déclaration aussi mémorable que paradoxale, qui renforce la saillance et la clairvoyance politiques de l’œuvre, l’une des premières explorations artistiques et critiques du programme américain de drones militaires. »

Un séminaire dirigé par Emmanuel Alloa et Chiara Cappelletto. Avec Georges Didi-Huberman, Marie-José Mondzain, François Jullien, Hans Belting, Monica Juneja, Morad Montazami, Susan Buck-Morss, Linda Báez-Rubi et W.J.T. Mitchell.

L’artiste partage ses réflexions et les choix artistiques qui ont déterminé le processus d’accrochage et la scénographie de son exposition au Jeu de Paume.

Si, entre les mains de Florence Henri, le miroir est l’instrument idéalement adapté à la manipulation de l’espace et de la forme pour créer l’ambiguïté picturale, il fournit également le parfait outil pour l’analyse du moi.

En octobre 1976 paraît le manifeste infraréaliste de Roberto Bolaño dans la revue “Correspondencia infra”. Ce texte, Bolaño l’a écrit dans l’atmosphère d’effervescence créatrice des ateliers d’art et de poésie qui se forment dans les universités mexicaines au milieu des années 1970, en l’occurrence à l’Universidad Nacional Autónoma de México.

Robert Frank livre un témoignage inédit sur son parcours et son œuvre. En 2009, l’ensemble des quatre-vingt-trois photographies de son ouvrage controversé et désormais mythique, Les Américains, a été présenté pour la première fois à Paris, au Jeu de Paume.

Le territoire investi par Brea Souders est celui des souvenirs et de la mémoire. Dans cette série, elle explore une matière assoupie – ses archives photographiques – qui, ainsi réanimée par l’artiste américaine, en ressort métamorphosée.

Un essai publié en 1997 dans « Lone Visions, Crowded Frames: Essays on Photography »

« Au cours des dernières années, une vision contemptrice a vu le jour dans un genre d’ordinaire insipide : la photographie de paysage. Un bref regard dans ce domaine suffit pour voir que les préoccupations écologiques, tout à fait compréhensibles à ce stade de notre histoire, ont infiltré le médium photographique. Comment peuvent-elles s’exprimer de manière efficace ? Comment peut-on y répondre ? Que nous disent-elles de notre culture ? »

Le Séminaire photographique dirigé par Michel Poivert, est présenté conjointement par l’Ecole doctorale d’histoire de l’art (Université Paris 1) et la MGI (maison du geste et de l’image)

Whether for still or moving picture productions, Lorna Simpson (b. 1960) uses her camera as catalyst to question identity and gender, genres and history, race and class, fact and fiction, memory and meanings…

À vingt-huit ans, Adrian Paci quitte l’Albanie pour l’Italie et s’installe à Milan. En Italie à partir de 1997, Pasolini a surtout dû apparaître à Adrian Paci objectivement comme un fantôme. À chaque anniversaire de son terrifiant assassinat de 1975, l’Italie ressort son cadavre qu’elle a, civilement, si mal su enterrer. Chaque décennie voit, un peu partout en Europe, en France aussi bien sûr, fleurir de nouvelles manifestations d’intérêt, pour le meilleur et pour le pire, envers le poète assassiné.n…

Par Françoise Docquiert
« Vernissage à la galerie Michel Rein de l’exposition Americans in New York proposée par Ami Barak. Je suis tout de suite attirée par le travail de LaToya Ruby Frazier dont je connaissais seulement quelques tirages. Premier regard sur ses photographies : du noir et blanc apparemment assez classique entre intimité et documentaire social, des sujets dans la tradition de la grande photographie américaine — on pense à la section photo de la Farm Security de la fin des années trente : ouvriers sidérurgiques, population locale livrée à la pollution, à la misère et à la maladie. »

Valérie Mréjen se glisse dans la peau d’Alicia, le modèle de « la bonne réputation endormie », cette image qu’avait commandée André Breton à Manuel Álvarez Bravo pour l’Exposition internationale du surréalisme à Mexico en 1940.